24 julio 2010

Orson Welles - Touch of Evil (1958)


Inglés/English | Subs: Castellano/Français/Portugués/English
106 min | XviD 720x384 | 1603 kb/s | 384 kb/s AC3 | 25 fps
1,47 GB + 3% recuperación/recovery

Sed de mal
En un pueblo mexicano fronterizo con los Estados Unidos el policía Mike Vargas (Charlton Heston) acaba de contraer matrimonio con la norteamericana Susan (Janet Leigh). Cuando están a punto de iniciar su luna de miel se produce un grave atentado ocasionado por una explosión. Este hecho provoca que Vargas se una a la investigación del caso con Hank Quinlan (Orson Welles), un detective con antecedentes de corrupción y sistemas policiales faltos de integridad. Intriga criminal establecida en la frontera entre México y los Estados Unidos que sirve al gran Orson Welles para ofertarnos una aguda penetración psicológica de un policía amargado por la pérdida de su esposa, quien en sus investigaciones en pos de la esclaración delictiva no escatimará ningún método probatorio, sea legal o ilegal. Artículo completo en El Criticón

No es frecuente poder citar a un compañero de blog, pero en este caso me topé con el comentario de saynomoreglass en un foro que ya no está, y lo copio aquí aún sin solicitar permiso de copyright...

saynomoreglass dixit:
" EXTRAORDINARIA!!! eso es lo ùnico que puedo decir despuès de verla, impresionantemente EXTRAORDINARIA!!!! como una Sin City noir pero muchìsimo màs efectiva, potente y cruda que mil films como èse, èsa, ya ni sè lo que escribo, pero què pelìcula para màs genial, se me hace que es como una fàbula del mal, por ello el final, ciertos matices como de còmic o de novelita negra del montòn (pero que en Welles es arte puro, fiero, melaza que quema, arde, hiere los ojos), todos los actores perfectos (incluìda la chica psicosis) , rozando el kistch pero contenidos justo en la lìnea divisoria que los mantiene dentro de lo grotesco humano, ahhhh què maravilla de film , con un final soberbio (parecido al de Force of evil de Polonsky aunque supongo que todo lo que tenga que ver con esta absoluta putrefacciòn en vida acaba asì) ,oscura pero humanìsima ante todo, què derroche de talento!!!! considerada por la Cahiers de Godard y cia como la mejor peli serie b de todos los tiempos, loas y màs loas para el enorme Welles, bravobravobravo! "

Si say no logró contagiarles entusiasmo, es porque no tienen sangre de cinéfilos en las venas!

Rip mío de una fuente HDTV alemana, a la cual le quité la banda de sonido en alemán.

An automobile is blown up as it crosses the Mexican border into the United States. Mike Vargas, a high ranking Mexican narcotics official on honeymoon with his bride Susie is drawn into the investigation because a Mexican national has been accused of the crime. The figurative and physical presence of Hank Quinlan as the 330 pound sheriff looms all over. Quinlan is a fanatic where "justice" is concerned, even if obtaining it involves planting evidence. Quinlan's reputation for law and order enables him to bend the law without question until Vargas confronts him. From that point on, it's a battle of wits between the two that, with an accelerating pace, rushes to a climax.
La Soif du Mal
À Los Robles, ville frontière entre les États-Unis et le Mexique, un notable meurt dans un attentat. L’enquête qui s’ensuit oppose deux policiers, Vargas, haut fonctionnaire de la police mexicaine, en voyage de noces avec sa jeune épouse américaine, Susan, propose aussitôt son aide au chef de la police locale, Hank Quinlan, peu amène vis-à-vis de ce fringant étranger. Dès lors, le couple est séparé : Vargas part avec les policiers pour les besoins de l’enquête et Susan est entraînée chez Grandi, un caïd local qui la menace. Les pressions exercées sur eux ne cessent d’augmenter. Vargas échappe de justesse à une projection d’acide ; Susan de retour dans sa chambre d’hôtel, est harcelée par un voyeur. Excédée, elle demande à son mari de la conduire en sécurité, dans un motel américain. Elle se retrouve bientôt piégée et violentée par le gang de Grandi, alors que Vargas, de son côté, assiste à la perquisition de l’appartement d’un sus- pect, Sanchez. La tension monte entre les deux policiers...

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Orson Welles en Arsenevich
Touch of Evil (1958)

22 julio 2010

André Delvaux - Un soir, un train (1968)


Francés*/French* | Subs: Castellano/English
TV rip | 86 min | XviD 640x384 | 1572 kb/s | 256 kb/s AC3 | 25 fps
1,09 GB + 3% recuperación/recovery

Una noche, un tren
Mathias, un profesor belga de lengua, vive con una productora de teatro francesa llamada Anne. Los dos viajan en un tren para que Mathias asista a un congreso. Mientras este duerme, su novia desaparece, y cuando despierta, la busca sin éxito. El tren se detiene en medio del bosque inexplicablemente; y Mathias se apea junto con un anciano y un joven para buscar explicación de lo ocurrido. De repente, el tren se pone en marcha de nuevo y deja en tierra a los tres hombres. Perdidos, llegan hasta una misteriosa aldea para pedir ayuda, pero los habitantes hablan un extraño idioma desconocido...

*Subs incrustados en francés para unos pocos diálogos en flamenco e inglés

Más info. André Delvaux: "El público no es idiota"

Subtítulos en castellano de nuestra amiga y colaboradora tahita

One Night... a Train
Mathias is professor of linguistics at a Belgian university. Although middle-aged, he is unmarried, but has a mistress, Anne. Their relationship looks as if it may be coming to an end, but Mathias tries to rekindle the flame. After a passionless dinner together, Mathias leaves to catch a train to a town where he is to give a lecture. On the train, Mathias is delighted to see Anne enter his compartment. The couple are unable to talk with one another and Mathias falls asleep. Having dreamt about a train accident, Mathias awakes to find his train has stopped and Anne has vanished. When he leaves the train to investigate, the train continues on its way, leaving Mathias and two other men stranded in open countryside. Under nightfall, the three men make their way to a nearby village which is strangely silent. When they finally meet the locals, Mathias is surprised that he cannot recognise their language. Where is he, and what has happened to his beloved Anne?

* Hard-coded French subs for a few Flemish and English dialogs

French TV rip and screenshots by scarabus (KG)

Professeur de langues dans une petite ville de Flandre, Mathias mène une vie sans histoire. Anne, sa maîtresse, est décoratrice de théâtre. Un soir, Mathias prend le train pour aller donner une conférence dans une autre ville. Anne le rejoint. Pendant le voyage, Mathias s’endort en basculant dans un univers inconnu. Lorsqu’il se réveille, Anne a disparu...

*Sous-titres "hard" en français pour quelques dialogues en flamand et anglais


Seguimos con los festejos del segundo aniversario con esta belleza onírica de Delvaux en un rip muy superior al que existía, y con subs de la infatigable tahita.

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André Delvaux en Arsenevich

 De Man die zijn haar kort liet knippen (1965)
Un soir, un train (1968)
Rendez-vous à Bray (1971)
Belle (1973)

21 julio 2010

Kenneth Anger - Scorpio Rising (1964)

Inglés subs: castellano
28 min I XviD 640x480 I 1474 kb/s I 128 kb/s cbr mp3 I 23.97 fps
380 MB
Un espejo de muerte refleja la cultura estadounidense: Brando, motocicletas y cuero negro, Cristo, cadenas y cocaína. Una mirada desde las alturas hacia el mito del motociclista estadounidense. La máquina como un tótem entre la diversión y el terror. Thanatos cromado, con cuero negro y jeans ajustados.
Kenneth Wilbur Anglemeyer nació en Santa Mónica, California, en 1927. Se crió en Beverly Hills, empapándose de Hollywood, convirtiéndose en un niño prodigio que empezaría a dirigir y exhibir sus películas a los 10 años.
Kenneth Anger figura entre los más conocidos e importantes cineastas de la vanguardia del siglo XX. Fue innovador en la utilización del fotomontaje, las exposiciones múltiples, la edición rápida e incluso abrupta, las imágenes en flash –tan fugaces que no se ven si uno parpadea–, el color sumamente abstracto y la música contemporánea popular –en especial, el rock and roll–. Técnicas tan influyentes que muchas de ellas se aplican en gran parte de la producción fílmica actual, tanto en la comercial como en la artística.
A pesar de su gran influencia y fama, extraordinarias si tenemos en cuenta que sólo hizo unas cuantas películas antes de 1980, el propio Anger es en cierto modo un misterio, con una vida bohemia esquiva, que refleja la espiritualidad efímera y la transubstanciación de sus obras, ritualistas y sectarias. El homoerotismo recorre también muchos de los títulos del cineasta. Scorpio Rising y Kustom Kar Kommandos están llenos de insinuaciones sexuales.
Allá donde miremos, la obra de Anger resulta plenamente innovadora. Fue pionero en utilizar el rock and roll como banda sonora –Anger nunca usa el diálogo–, por ejemplo, en Scorpio Rising. Y se le admira en particular, no sólo por la forma en que la música y su letra sustentan el argumento, sino también por cómo sincroniza el montaje con el compás de la música.
Y, mientras se entretejen lo oculto, el mito, la magia y lo atemporal en sus películas, cortos como Scorpio Rising, Kustom Kar Kommandos e Invocation of My Demon Brother capturan con destreza la esencia de su época: el primero, la cultura pop y los cultos de las bandas urbanas de la costa Este; el segundo, el ambiente limpio, duro y de alta tecnología de la cultura automovilística californiana; y el tercero, el entorno psicodélico de la droga en el barrio de Haight-Ashbury en San Francisco. A pesar de la contemporaneidad de estos filmes, en gran parte de su obra prevalece un sentido atemporal del misticismo ritual que señala a Anger como el Mago del Cine. (Centro Andaluz de Arte Contemporàneo)
El hombre bajo el influjo de Escorpio. La vieja estética y la represión cristiana son derribadas, en su lugar domina un caos de cuero negro y rugidos de motocicletas. El film “Scorpio Rising” (1963) es la celebración de una nación clandestina. Poses desafiantes, pechos al descubierto, braguetas protuberantes celebran la belleza del sexo fuerte de una manera que sólo puede ser gay. Ni Cristo ni sus alegres discípulos se libraron del poder del Escorpión.“Scorpio Rising” de Kenneth Anger es un corto, de treinta minutos, decididamente provocador para su época. Su estilo personal, no narrativo y donde la música pop domina como única banda de sonido, despejó el camino para la posterior llegada de los video clips. “Scorpio Rising” es un collage donde la muerte se asoma, representada por cráneos de todo diseño. La iconografía del cuero negro, el cromo, las calaveras y esvásticas de las bandas de motociclistas, se mezcla, de manera nada inocente, con estampas varoniles del cine (Brando, Dean) y un repertorio musical a lo Top Ten (Ray Charles, Elvis Presley, Martha and the Vandellas). La ruptura más llamativa de “Scorpio Rising” frente al cine hollywoodense de su época fue justamente la yuxtaposición de temas pop con imágenes. Puede parecer que la música va en su propia dirección, como si fuera una transmisión radial, pero coincide muchas veces y aporta al conjunto una ironía sediciosa y sutil.Pero la mayor audacia de “Scorpio Rising”, que inevitablemente la proscribió en su momento, fue expresar abiertamente las preferencias homosexuales de su autor. Mandíbulas viriles, pechos trabajados, cinturas y cuellos adornados con metales son algunos de los fetiches que se invocan una y otra vez. Confundiéndolos entre los mitos americanos, “Scorpio Rising” teje un “machismo romántico” donde la rudeza es erótica y donde toda aparición masculina desliza un guiño gay. Incluso hasta llegar a la herejía: alternado con imágenes de una carrera de motos y un enmascarado nazi, Cristo y sus discípulos (fragmentos de una remota película educativa) se unen a este desfile, de fondo la canción (“He´s a Rebel” de Crystals) proclama, cual sermón: “No hay razón para que no le de mi amor”.Cortometrajista desde los once años, Kenneth Anger fue de los primeros cineastas norteamericanos en reconocer su homosexualidad y expresarla sin disfraces en toda su obra. Cosa tan peculiar para la época, que un corto suyo, el primero en recibir cierta notoriedad, “Fireworks” (1947) llamó la atención del Dr. Kinsey en su rastreo de material sobre las “peculiaridades” de la conducta sexual de los gringos. Al conocerse se harían amigos, Anger colaboró con Kinsey con el archivo fílmico, donde él mismo habría sido registrado masturbándose.Desde su temprana juventud, la pasión principal de Anger fue el ocultismo. Su cine hace constantes referencias a las ciencias ocultas, en “Scorpio Rising” tenemos un signo astrológico vinculado a la fuerza y la transformación. Anger comulgó con Thelema, credo fundado por Aleister Crowley, un pensador que proclamaba, a principios del siglo XX y en la Inglaterra reprimida, la sexualidad libérrima y la experimentación con alucinógenos, rodeándolas de una densa coraza mística.Su selecta agenda de contactos incluía también a Anton LaVey, fundador de la Iglesia de Satán, los Rolling Stone, la familia Manson, Jimmy Page y seguramente una larga lista de estrellas, que aprovechó para ganar notoriedad con la publicación de un libro sobre escándalos faranduleros: “Hollywood Babylon” (1958). (Extraìdo de "La Tetona de Fellini", texto escrito por Andrès/ Derzu)
Scorpio Rising , a landmark in the American underground film, confirmed Kenneth Anger's reputation as a major talent and, at the time of its release, created a stir which reached from the pages of New York's Film Culture to the courts of California, where it was judged obscene. It is testimony to the film's aesthetic power that 20 years later it continues to shock and dismay as many viewers as it amuses and exhilarates through its artfully subversive reinterpretation of the American mythos.
A product of the period which produced Andy Warhol's Brillo boxes and Roy Lichtenstein's comic-strip canvases, Scorpio Rising is a pop-art collage of found artifacts which submerges itself in the chrome-and-leather, skull-and-swastika iconography of the motorcycle cult that provides its subject. (Anger shot many scenes using an actual Brooklyn biker's club.) Yet, almost instantly, the film extends these symbols of machismo to include the entirety of American culture via the re-reading of its popular imagery. Structured around 13 "top forty" songs from the period in which it was made (1962–63), Scorpio Rising mounts a dialectical collision between images and music to reveal the strains of romanticized violence, morbidity and homoeroticism just beneath the surface of "Dondi" and "Li'l Abner," of Brando's and Dean's rebels, of hit tunes by Rick Nelson, Elvis Presley and Martha and the Vandellas. The juxtaposition of the Angel's "My Boyfriend's Back" with shots of a biker working on his machine, for example, not only suggests the violent eroticism and fetishization inherent to the cycle cult, but reveals the open brutality of the song's lyrics as well, implicating the whole civilization in its imagery of obsession. And when Anger plays Bobby Vinton's "Blue Velvet" over a loving tilt up a biker's jeans as he zips his fly, the effect is both erotic and a savage parody of eroticism as it is packaged by the culture industry.
Scorpio Rising 's short-circuitry of traditional readings of familiar objects ultimately represents the joyous celebration of the dawning of the Age of Scorpio, the erratic astrological sign associated with chaos, and the concomitant downfall of the ascetic and repressed reign of Christianity. In the film's most notorious juxtaposition, Anger poses this cosmological convulsion by a clever intercutting of a black-and-white Sunday School movie of the last days of Christ (set, in part, to the Crystals' "He's a Rebel") with profanely contrasting scenes from a biker's "Walpurgisnacht." The multiple layering of subversive associations generated by Anger's various techniques of collision provides the basically non-narrative means by which Scorpio Rising drives toward its disturbing, yet cathartic conclusion. It is a method equally explicit in his punning description of the film as "A conjuration of the presiding Princes, Angels and Spirits of the Sphere of MARS, formed as a 'high' view of the American Motorcyclist. The Power Machine seen as tribal totem, from toy to terror. Thanatos in chrome and black leather and bursting jeans."
Clearly, Scorpio Rising has had its influence, from the found-footage collages of Bruce Conner to the pop-flash sound and color imagery of American Graffiti . Yet the film remains one of a kind in terms of the immediacy and savagery of its critique. Anger's manipulations of the culturally overloaded imagery of Nazism, sado-masochism, and the occult finally result in a film which refuses to conform to any dominant, edifying reading whatsoever—an almost unparalleled achievement which should earn Scorpio Rising an enduring place in the artistic annals of the 1960s, a decade remembered for the challenges it posed to ruling ideology. —Ed Lowry

"He's a rebel and he'll never ever be any good/He's a rebel 'cause he never ever does what he should." The Crystals.

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20 julio 2010

Mike Leigh - Meantime (1984)


Inglés/English | Subs: Castellano/English
103 min | XviD 704x528 | 1861 kb/s | 112 kb/s mp3 | 25 fps
1,41 GB + 3% recuperación/recovery

Aunque ya veinteañeros, el simplón Colin y su hermano sarcástico y manipulador, Mark, todavía viven con sus padres en una vivienda municipal en el barrio del East End en Londres. Colin y Mark se comportan como adolescentes mientras que la familia sufre el desempleo, la pobreza y las penurias de la vida en la década de 1980 en Gran Bretaña. También está Coxy, un skinhead violento que se hace amigo de Colin, y la tía rica Bárbara, que le ofrece un trabajo a Colin y desata tensiones familiares que finalmente estallan en celos y conflictos.

Este gran film fue uno de los últimos que hizo Mike Leigh para la televisión. El título Meantime significa "mientras tanto", pero también es un juego de palabras entre la palabra mean, que significa "tacaño" o "mezquino" en inglés británico, y time que significa "tiempo". Tiempos Mezquinos sería un buen título en castellano.

Although in their early twenties, Colin (Tim Roth) and his sarcastic manipulative brother Mark (Phil Daniels) still live with their parents Mavis and Frank Pollack in a housing project in the East End. With Colin and Mark endlessly harassing each other like teenagers, the family endures unemployment, poverty and the hardship of life in early 1980s Britain.
Enter Coxy (Gary Oldman), a violent local skinhead who befriends Colin, and add a job offer for Colin from a rich aunt and family tensions eventually erupt into jealousy and conflict. First shown on television, it is a memorable and closely observed account of life in Thatcher's Britain.

Subtítulos en castellano míos


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17 julio 2010

Georges Franju - Le Sang des Bêtes (1949)


Francés | Subs: Castellano/English/Italiano/Portugués
22 min | Xvid 656x480 | 1208 kb/s | 77 kb/s MP3 | 23.97 fps
205 MB
Le Sang des Bêtes es un documental de finales de los 40, del autor frances Georges Franju, sobre dos mataderos de París. Muestra objetivamente durante 20 minutos lo que pasa allí dentro en contrapunto poético con un Paris tranquilo.La Sangre de las Bestias es, antes que nada, un filme documental. Franju nos muestra, con todo el realismo del caso, el circuito completo de traslado, preparación y faenamiento de bestias, en los matarifes de la periferia de París. Por contraposición, muestra rondas de niños, imágenes de objetos familiares, y el amor, a través del apasionado beso de un par de jóvenes."Una cosa no podrá ser sin la otra", parecería decirnos el realizador. ¿Pero como se satisface esta necesidad imperiosa de alimentarse? Uno podría vivir toda la vida sin saber el "como" llega un bife de la vaca a mi mesa; pero Franju buscará el desasnarnos, para que perdamos esa inocencia que solo es resultado de una natural ignorancia (¿podrá afirmarse lo mismo en otras cuestiones más comprometidas?).Arranca con un matarife que entroniza la figura de su creador (disculpen, no recuerdo el nombre del mismo). Su gran aporte en la materia fue la inclusión del caballo dentro del universo permitido de animales para comer. ¿Porqué no el caballo?, se habrá planteado el hombre. Entonces, los caballos, tal como son recogidos de las calles o de terrenos baldíos, son llevados caminando por sus propios medios al matadero, donde los matan de un pistoletazo en la frente que lo liquida de un modo tan letal como inmediato. (Si usted no vio el filme, créame que no encuentro el modo de explicarle el tenor de las imágenes). Supongo que el "entregador" será quien se quede con la recompensa económica. No se habla nada acerca del "como" se consiguen los caballos; pero no hay ni camiones ni trenes ni, aparentemente, rutas ni estructura alguna sobre el tema.Luego de mostrarnos como ultiman al noble animal, nos ilustra el felm, casi en tiempo real, acerca del como se aprovecha lo aprovechable del mismo. Si uno presta la suficiente atención, casi diría que podría animarse uno mismo a realizar tal faena. Terminado el caballo, Franju nos lleva de la mano a ver el circuito completo de vacas, becerros y ovejas. Es interesante notar lo que el narrador nos hace saber: las ovejas (trasladadas en tren, a diferencia de las vacas que lo son en camiones); necesitan de un "entregador" también; pero en este caso será un carnero quien lo hará. El mismo, quien ya conoce la historia por haber sido partícipe ya varias veces, se adelanta al redil en todo el trayecto, para ser apartado de la matanza a pocos metros de traspasada la última puerta; lo que le permitirá sobrevivir y así volver a su misión con la próxima remesa, el próximo rebaño. En fin; este felm no es para cualquiera. Mujeres y niños, evitadlo. Nada en el felm es sugerido; nada es subliminal. Franju tira sobre la mesa el "como" hacemos para sobrevivir a diario; se trate de manjares o de modestos bocados de carne de puchero; es lo mismo. Estas muertes no hacen distingos de clases sociales. Todos nos beneficiamos con ellas. Ahora, si usted quisiera ver cosas relacionadas al horror de la guerra (el felm es del 49, quizás todavía no se había terminado de asimilar el horror de los campos nazi), es posible que encuentre algo. Es fácil encontrar al menos un paralelo entre los trenes cargados de ovejas y el "Transporte Negro" cargado de civiles, rumbo a cualquiera de los Campos. Yo no lo creo; bastante curtidos estarían los ánimos y las conciencias francesas como para ofuscarse o impresionarse con las imágenes de muerte de algunos animales. Solo una cosa más, y Franju también la muestra y es que, debajo de cada romance, de cada historia, por mínima que sea la misma, subyace esta realidad tremenda de muertes inocentes; esta matanza que no distingue razas ni edades, ya que todo sirve. Nada se perderá y todo se transformará, al decir de otro francés notable. (Texto de Patricio Flores, tomado del interesantìsimo Dìpticos)The French director George Franju is best known for the hypnotic and poetic horror movie Eyes without a Face, but he was also a remarkable documentary filmmaker; his 1949 study of a Parisian abattoir, Le Sang des Bêtes, is one of the most haunting and visually exciting documentary films ever made. Many filmmakers have shot scenes or complete films in slaughterhouses, but what distinguishes Franju's film is its heightened aesthetics and its utter lack of sentiment. The film is quite simply sublime, in its truest sense. It has a beauty that excites pity and terror.
"Desde hace algunos meses nos están calentando la cabeza con los falsos problemas de la forma y del fondo, del realismo y de la magia, del guión y de la “puestaenescena”,del actor libre o dominado y otras pamplinas. Digamos que podría ser que todos los temas nacen libres y en igualdad de derechos. Lo que cuenta es el tono, o el acento, el matiz, no importa cómo lo llamemos: es decir, el punto de vista de un individuo, el autor, un mal necesario, y la actitud que toma dicho individuo con respecto a lo que rueda, y en consecuencia con el mundo y con todas las cosas. Lo cual puede expresarse con la elección de las situaciones, la construcción de la intriga, los diálogos, la interpretación de los actores, o la pura y simple técnica, “indistintamente pero en la misma medida”. Hay cosas que no deben abordarse si no es con cierto temor y estremecimiento; la muerte es sin duda una de ellas, ¿y cómo no sentirse, en el momento de rodar algo tan misterioso, un impostor? Más valdría en cualquier caso plantearse la pregunta, e incluir de alguna manera este interrogante en lo que se filma." Jacques Rivette
SangdesBetes (1949).rar
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-o-
Georges Franju en Arsenevich
Le Sang des Bêtes (1949)
 
NOTA: Este corto es tan brutal y aleccionador como la misma realidad, estàn advertidos.

05 julio 2010

Jack Clayton - The Innocents (1961)

Inglès | Subs:Castellano/English/Français/Portugués (muxed)
100 min | x-264 mkv 1024x440 | 2049 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
1,57 GB
Una niñera victoriana llega a sospechar que tras la apariencia angelical de sus pupilos se encuentra la huella mas profunda de la perversión humana.
The Innocents es un film hermoso y sensual en el que no existen límites de separación entre certidumbre e incertidumbre y en el que destaca, por encima de explicaciones e interpretaciones, la ambivalencia creada a través de las miradas, los movimientos, los objetos y la iluminación: el agua del lago, el quiosco de música, las flores, las estatuas, los viejos retratos ocultos en los desvanes derrochan belleza y sugieren abominación; Flora observa, impasible, cómo una araña devora una mariposa; una repugnante cucaracha emerge de la boca de una estatua; el pétalo de una rosa cae sobre un devocionario; Flora canturrea o danza en el quiosco la misma melodía que desgrana unos añosa cajita de música o que interpreta Miles al piano; Miles guarda bajo la almohada un pichón con el cuello roto (¿ha sido él quien ha matado al pichón o lo ha puesto debajo de la almohada porque quería mucho al animal?) La belleza de ¡SUSPENSE! proviene del esfuerzo puesto por Clayton en la elección de la escritura visual más adecuada, aproximándose en eso a lo que, según Virginia Wolf (Granite and Rainbow), logró James en su libro: “Si examinamos la historia sintiéndonos seguros, a la luz del día, si observamos la maestría del relato, la manera con que se alarga cada frase, con que se llena cada imagen, si vemos cómo la belleza y la obscenidad entremezcladas, se insinúan hasta las profundidades, es preciso admitir que algo, no obstante, queda inexplicado. Debemos reconocer que Henry James ha vencido. Ese viejo gentleman cortés, refinado, sentimental, puede hacer que todavía sintamos miedo a la oscuridad”. La retórica jamesiana obra el efecto perverso de que cada obra cree a su lector (o, en este caso, a su adaptador) en una fastuosa mezcla de resistencia y de fascinación. JOSÉ MARÍA LATORRE, en “Los fantasmas de la institutriz”, Los sueños de la palabra, Laertes, Barcelona, 1992, pp. 158-159.Hay un pasaje de THE INNOCENTS de Jack Clayton que opera desde la metamorfosis y desde el contagio. Transcurre durante la primera noche que pasa la institutriz en su nueva residencia; ella duerme en la misma habitación que Flora. Miles, el hermano de Flora, se encuentra ausente, pero su llegada inminente ya ha sido anunciada por la pequeña. El pasaje supondrá una forma de ‘fantástico’ evidenciado a través del trance simbólico de la noche y de la escenografía de una rica mansión de la campiña inglesa del siglo XIX, en la cual los pasillos oscuros son un corredor alucinatorio y las puertas y ventanas umbrales fronterizos. En la conversación, Flora habla de habitaciones vacías, estancias que la nocturnidad agranda, de su deseo de dormir en varias habitaciones a la vez, de Mrs. Grose, el ama de llaves, que cierra los ojos durante la noche mientras que ella los mantiene abiertos. Habla también de las almas que vagan después de la muerte. El espacio parece transformarse y las habitaciones se dirían vivas, como si sus proporciones se vieran alteradas. Las preocupaciones de la pequeña resultan extrañas y sus palabras suenan siempre premonitorias. El pasaje se abre sobre el ruido de péndulo, que suena. Así entramos en el dominio de las sensaciones tenues e imperceptibles. La estancia parece toda ella habitada por cortinas y visillos que insuflados por el viento se comportan como materia autónoma. Las sombras que se proyectan móviles sobre las estatuas consiguen que éstas parezcan animadas. El registro espectral del blanco (propio de un sudario o de un fantasma) se imprime en el cortinaje, en los visillos, en el camisón de Flora y en el grupo de estatuas, donde se asimilan la rigidez de la piedra y la transparencia de los visillos. La simple iluminación de una vela, la claridad de luna o las sombras que teatralizan o dramatizan la escena, hacen que todo transforme su aspecto y dimensión. JEAN-LOUIS LEUTRAT, en “Les Innocents: dans le rêve de l’autre”, Vie des Fantômes, Cahiers du Cinéma, París, 1995, pp. 127-128; traducción de Bernardo Sánchez.Podemos considerar la representación fílmica de OTRA VUELTA DE TUERCA como una operación de sentido que tiende a redistribuir la información suministrada por el original literario con la finalidad de obtener, de cara al espectador, un máximo de rentabilidad visual. En THE INNOCENTS es claramente percibible la intencionalidad de los guionistas –Truman Capote y William Archibald– de ubicar todos los elementos de la historia en función del punto de vista de la institutriz, presente en todas las imágenes, haciendo que el espectador participe de sus descubrimientos. El narrador es –siguiendo nuevamente la clasificación de [Gérard] Genette un personaje –en este caso principal– de la acción. Deliberadamente, se ha excluido en el film el relato-marco, pórtico de la narración en primera persona de la institutriz. El hecho de ser ella la que cuente, directamente, su historia no deja de producir sus efectos. JUAN MIGUEL COMPANY, en “La escritura del fantasma”, El trazo de la letra en la imagen, Cátedra/Signo e Imagen, Madrid, 1987, pp. 92-93.Huelga decir que el trabajo cinematográfico de Clayton, apoyado en la fotografía de Freddie Francis, es mucho más sutil, atento al mal latente (el insecto que sale por la boca de una estatua mutilada) y a la percepción de lo que el escenario gótico oculta tras sus pabellones, contrafuertes y ventanas. Prefigurando A LAS NUEVA CADA NOCHE [1967], otro título de Clayton que explora la relación entre infancia y muerte, LOS INOCENTES es la interpretación más inquietante de la obra de James, por delante de la ópera de Benjamín Britten. También es, a mi juicio, la película que mejor expresa la media distancia del fantasma, no tanto el de Mr. Quint, insidiosamente cercano, como el de Miss Jessel, aparecida en lontananza, suspendida sobre el lago, ocupando luego con lúgubre tristeza el pupitre de Miss Giddens. “Oscura como la noche, con su vestido negro, su belleza desfigurada y su inmensa pena, me había mirado lo bastante como para decirme que tenía tanto derecho a sentarse a mi mesa como yo a sentarme en la suya”, escribe James desde la perspectiva de su personaje, célibe como él. Respetuoso con las palabras del escritor, Clayton tiende un puente carnal entre el mundo de los vivos y de los muertos, entre un adulto, Miss Giddens, y un niño que no lo es: Miles, quien aplica sobre los labios de su maestra un beso turbador que le será devuelto en la hora de su muerte. JOSÉ ANDRÉS DULCE, en Suplemento Cultural de El Día, Tenerife, 05/10/2007.
The definitive screen adaptation of Henry James's The Turn of the Screw, the 1961 production of The Innocents remains one of the most effective ghost stories ever filmed. Originally promoted as the first truly "adult" chiller of the big screen (a marginally valid claim considering the release of Psycho a year earlier), the film arrived at a time when the thematic depth of James's story could finally be addressed without the compromise of reductive discretion. And while the Freudian anxiety that fuels the story may seem tame by today's standards, the psychological horrors that comprise the story's "dark secret" are given full expression in a film that brilliantly clouds the boundary between tragic reality and frightful imagination.
In one of her finest performances, Deborah Kerr stars as Miss Giddons, a devout and somewhat repressed spinster who happily accepts the position of governess for two orphaned children whose uncle (Michael Redgrave) readily admits to having no interest in being tied down by two "brats." So Miss Giddons is dispatched to Bly House, the lavish, shadowy estate where young Flora (Pamela Franklin) and her brother Miles (Martin Stephens, so memorable in 1960's Village of the Damned) live with a good-natured housekeeper (Megs Jenkins). At first, life at Bly House seems splendidly idyllic, but as Miss Giddons learns the horrible truth about the estate's now-deceased groundskeeper and previous governess, she begins to suspect that her young charges are ensnared in a devious plot from beyond the grave.
Ghostly images are revealed in only the most fleeting glimpses, and the outstanding Cinemascope photography by Freddie Francis (who used special filters to subtly darken the edges of the screen) turns Bly House into a welcoming mansion by day, a maze of mystery and terror by night. Sound effects and music are used to bone-chilling effect, and director Jack Clayton, blessed with a script by William Archibald and Truman Capote, maintains a deliberate pace to emphasize the ambiguity of James's timeless novella. The result is a masterful film--comparable to the 1963 classic The Haunting--that uses subtlety and suggestion to reach the pinnacle of fear. --Jeff Shannon
"La experiencia no es nunca limitada, y nunca completa; es una inmensa sensibilidad, una suerte de tela de araña hecha de los hilos de seda más sutiles, tendida en el cuarto de la conciencia, atrapando en su red cada partícula que el aire lleva." Henry James

BRrip y capturas de endrju (KG)



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04 julio 2010

Philippe Garrel - Le coeur fantôme (1996)


Francés | Subs: Castellano/English/Pусский
82 min | XviD 704x432 | 1656 kb/s | 256 kb/s AC3 | 25 fps
1,09 GB + 3% recuperación/recovery

El corazón fantasma
Tras su separación de Anne, con quien comparte dos hijos, el pintor Philippe conoce en la calle a Justine, una mujer más joven que él, con la que inicia una relación. A pesar de que Philippe asegura que Justine ha sido su salvación, ella siente que no puede competir con la nostalgia de su vida anterior y se muestra cada vez más celosa de su ex mujer y sus hijos.

DVD rip de kimkiduk (Ci-Cl)

The Phantom Heart
A hangdog, middle-aged painter falls in love with a tender young college student after he leaves his philandering wife and his children in this romantic French drama. To console himself, the fundamentally bohemian Phillippe finds comfort in the arms of various prostitutes, especially Valeria. It is while searching for her that he meets lovely Justine, the student. Sparks fly and they move into together. Things go well until Phillippe begins pining for his children. This makes insecure Justine terribly jealous and tumult erupts until the aging artist is able to discover the true source of his anxieties.

English subs by lohmann and sateri (KG)

Philippe est peintre. Marié et père de deux enfants, il se sépare de sa femme le jour ou il découvre qu'elle a un amant. Malgré sa rencontre avec une jeune femme, il ne peut se débarrasser de sa culpabilité d'avoir laissé ses enfants à leur mère. Il entreprend alors de découvrir pourquoi ses parents s'étaient jadis eux aussi séparés.

Nuevos enlaces, gracias a chicharro
 
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